芝加哥

有一类电影，它们堪称典范，只能模仿，无法超越，它们之后的类型片成为“后××”电影。

例如：后《骇客帝国》时代的科幻动作片；后《指环王》时代的奇幻史诗片。

一类影片因为某一部的功成名就雨后春笋风起云涌，但没有谁能再次成为呼风唤雨的王者。

或许《芝加哥》的出现，也使它之后的歌舞片进入了后《芝加哥》时代，它的完美让歌舞片前景黯然，所有的模仿也许只是另一种空白。

《芝加哥》让人百看不厌，是因为它歌舞升平、流离张弛、戏谑有度、浮光掠影。

本来就不需要太多深入灵魂，香艳魅惑得淋漓尽致，便足够愉悦神经。

《芝加哥》就是如此。

珠光宝气、绫罗绸缎、活色生香、欲望高涨，到处是修饰过度的脂粉气。

它俗气并自负，它却生动无比，它的浪荡狂野让一切清高和矜持黯然失色。

一连串流畅奔放的蒙太奇，舞台和现实一片离奇的混沌，丰乳肥臀香歌魅舞之外，叙事本身即性感迷人。

《芝加哥》的一切都让人大呼过瘾——如果流气的约翰特拉沃尔塔，能取代木讷的理查基尔的话，就全篇完美了。

PS:相比下，《吉屋出租》就显得十分生涩了～～～

《芝加哥》欲望总是能让你不择手段的失去自我。

同为迷失在都市中的两个可怜女人，却都同样沉迷于内心那份贪婪的欲望。

城市的浮华，人性的躁动，没什么能比歌舞类型片更贴切的表现那个娱乐至死的时代。

暗色系的现实生活，用浮夸的歌舞外放人物的心理活动，用这种略有戏谑的方式将人性的表里不一刻画的淋漓尽致。

作为第75届奥斯卡最佳影片得主，电影胜在剧情与歌舞的充分融合，丰满人物的塑造，以及对特定年代社会形态的冷嘲热讽。

值得一提的是在这个几乎为全女性的故事里，爱情（甚至包括友情）不再呈现出任何美好与憧憬，而是作为一切恶行的源头出现，讽刺的是你只有彻底舍弃这份情感，才有可能获得新生，这算得上是一黑到底了吧。

8分。

Ps：相比蕾妮·齐薇那张永远浮夸委屈的脸，凯瑟琳·泽塔-琼斯的表演确实要好出太多了。

不难理解为什么美国人民都爱玛丽莲·梦露。

经济衰颓的日子里，没有什么比金发尤物更能鼓舞人心的了。

思考让人心生烦躁，于是我们选择那些轻松的肤浅的可笑的诱人的娱乐来打发时光——人类的原始欲望原本就只有两种，食物和性。

当上帝夺走了我们对于食物的安全感，那么我们的奢想也就仅剩下性——玛丽莲·梦露，在某种意义上，即是上帝的馈赐。

只不过塑造她的，除了上帝，还有我们自己。

当我们将所有关于欲望的标准放在一起，丰乳肥臀，明眸皓齿，充满挑逗感的金色卷发，迷离而俏皮的眼瞳，哦，还有，应该是那种不懂得思考不懂得忧愁的简单动物，欢笑，来，继续欢笑，跳舞，继续跳舞，旋转，旋转，旋转！

玛丽莲·梦露深知游戏规则。

她的聪明在于她愿意掩饰自己的智慧而仅仅在舞台上扮演那么多年的无脑美女。

哈，性感尤物！

她知道人们需要的就是如此。

但Roxie不是玛丽莲·梦露。

尽管她年轻，性感（哦，的确，她没有那样丰满的身材，但谁敢说她不是性感的呢？

），金发，长腿，懂得卖弄风骚，也懂得在适当的时候施展演技。

但Roxie，她只是Roxie。

芝加哥的规则，永远不由这些性感尤物来决定。

“永远都有新鲜的血液。

”比利一语双关。

他才是这个秀场永不落幕的明星。

威尔玛说得很对，他的顾客，只是他自己。

女人们永远是他手里的玩物，他即兴演绎的返场小舞曲。

他可以把她们变成他想要的任何样子，只要他愿意。

他出售故事，谋杀，艳情，小道消息。

他出售，而他们购买。

没有人关心这些漩涡中的女人们的最终命运，他们只是需要一个故事，一个可以让他们在茶余饭后，一边聊天一边揉着胸口叹着“哦！

”的故事。

芝加哥永远热爱新鲜的故事。

因为生活本身真是毫无可取。

在这样的世界里，Roxie是放荡的，也是天真的。

她以为登上舞台就是故事的全部。

于是她千方百计地跻身她的梦想之地。

上床？

她以为这就是万能通行证——的确它是，只不过通向的是监狱。

而监狱，和外面的芝加哥有何不同？

Roxie又是幸运的，她尽管放荡，却还有一个坚贞不渝的傻瓜愿意为她付出一切。

于是一切开始往她的理想步步逼近。

甜美的谋杀犯登上了芝加哥的爵士舞台！

哦，finally！

接下去的故事，当然是在意料之中。

芝加哥从来不缺乏Roxie Hart这样的小点心。

百老汇的歌舞剧总是喜欢歌舞升平的调调，尽管《芝加哥》极尽讽刺，但还是给了一个虚荣的Happy Ending以迎合观众（是啊，看到这两位大美人落得那么悲惨的地步实在让人有点怜香惜玉）。

不过在这样华丽明媚的终场歌舞中，导演还是不忘来一次最后的黑色幽默： In fifty years or so 　　It's gonna change, you know 　　But, oh, it's heaven 　　Nowadays 她们刚唱完"五十年不变"，就到了美国股市崩溃的1929年。

《Chicago》只能用一个词来形容，就是惊艳。

作为一部歌舞电影，《Chicago》的成功不仅在于其深刻揭露了生活的真相与本质，更在于其使用高超独特的拍摄技法造成了不同寻常的视觉效果。

从整部电影的摄影来看，用光方面，影片大量使用戏剧光效，将戏剧光效和自然光效结合，自然光效提醒真实事件的发展，而戏剧光效引发观众的思考和对影片中人物的读解。

片中多处出现过曝光的大气透视效果和蓄意光不接，描述人物的心理感觉。

在暖色调里出现的阴影充满了不安全感，表现人物不稳定的内心状态。

色彩方面，影片中不断变化的色调呈现大的反差，突出表现了主要人物的个性。

有一小段消色处理作为报道内容与现实生活的区分。

构图方面，在运用假定的戏剧光效描述人物心理活动时，使用舞台调度方法，小景深，具有美感。

多用音乐歌舞剧形式来烘托角色，反映人物内心情绪变幻，增添华美情趣。

运动的人物大部分时候处于画面的黄金分割处，多变的背景使画面饱满而充满动感。

摄影机在拍摄舞台式场景时，多使用运动镜头，表现一种旺盛的精力和强盛的欲望，虚幻却强烈；在真实场景里多用固定镜头，与舞台式的场景进行区分，表现出稳定性和真实感。

镜头的推拉表现出片中主人公起伏不定的情绪和人物与环境的关系。

电影第一个镜头出现的是一双眼睛的特写，从之后的内容我们可以知道，这是女主角的眼睛，镜头慢慢推近，推至一只眼睛眼球直至瞳孔的特写，接着使用后期剪辑特效将画面渐变为电影名称中间的字母，自然而然引出电影标题。

从画面内容上说，首先是Roxie的眼部，眼睛微红，充满了渴望的神情，与电影开场后看Kelly表演时的状态前后呼应；以人脸的局部示人，有神秘感，容易引发人的观看兴趣。

镜头推近的运动方式象征着一种靠近和探索，充满索取和不依不饶的意味，这又和主人公的性格吻合。

表面简单的特效在我看来是有所用意的，Roxie这个人物就仿佛一种象征，她是Chicago这个大城市背景下的一个小人物，但她的经历有着鲜明的代表性，在Chicago这个城市，有着太多和她经历类似的人，她就是Chicago的代表。

某种程度上说，是环境极大影响甚至造就了人的命运。

紧随着一个男人口中快速念节奏的声音，Kelly引燃歌舞热力的开场序曲响起，电影镜头从男人的侧面剪影快速切换到剧场的顶灯，强光暗示着人们，又一个充满诱惑和欲望的夜晚开始了。

伴随热力十足的节奏，镜头快速切换和移动，由场内的顶部移至形态各异的人群。

从最开始的几个镜头就出现了明显的色偏，偏蓝的镜头迅速切换到灰黄色的场景，之后的镜头显示出剧院内有两大类不同色调的灯，一类是蓝色的冷色调灯光，一类是橘黄的的暖色调灯光，两种颜色搭配，造成一种刻意的不和谐。

舞厅的灯光是纯人工光，在拍摄时便于控制，此处的蓄意光不接意在说明剧场内的混乱，到处藏着冒险和成功的机遇，这便交代了芝加哥大环境缩影的基本状态。

而整体戏剧光效的使用则暗示着人们的虚伪，人性的异化。

Kelly的出场主要用了跟拍的形式，先是通过近景跟拍凌乱的步伐，侧面展现其内心的慌乱与不安。

接着将人物纳入后台的环境中，用中全景继续跟拍，晃动的镜头也暗示这画面中人物的情绪。

而一直用从人物背面跟拍的形式，能够很好的调动观众的兴趣，并达到之后人物登台表演的震撼效果。

之后的表演由两条线索构成，表演中的Kelly和与送奶工偷情的Kelly的仰慕者Roxie。

在色彩上，舞台中央的Kelly所处的环境呈幽蓝色，在光线的照射下产生了大气透视效果，显得朦胧而充满了诱惑；与此同时，Roxie处在一种由浅灰色转向昏黄的色调里，充满了阴暗的欲望和挑逗。

两位女性的动作和情绪都是不断变得激烈和兴奋，这其实暗示了两人日后的交集和互通的命运。

之后镜头集中于Roxie经历和变化，在室内出现的争执场面光效接近自然光，但由雾气制造出一种暧昧的氛围。

作为一部由经典歌舞剧改编的电影，歌舞场景自然少不了。

接着出现的就是Roxie的第一个舞台镜头，明黄色的灯光从左上方摄下，营造出温暖静谧之感。

在深蓝色的背景前，一束灯光直射在她的身上，而人物基本处于视觉中心的位置，又是受光点，能够完美地展现出舞者的表演，色彩和大气透视效果表现出一种虚幻，暗示观众这是主人公意念里的想象，与现实里的正常光效形成区分和对比。

一段表演过后，影片出现了多画面构图，左侧是舞台上暖色光照射下的Roxie，右侧是她坐在明亮灯具下全身却呈现惨淡青色的丈夫。

色彩和光线的区分显示出夫妻两人貌合神离的情形，红色象征着愤怒和压迫，青色则代表着压抑和痛苦。

画面中大部分时候都是处于偏上方向的位置，站立着；而她的丈夫以坐姿居于偏下的位置，这也暗示了两人的关系是压迫与被迫，欺骗与被骗。

整体的戏剧光效以及明显的大气透视效果呈现出一种虚幻的，明显区分于现实的情景，表明这一切只存在于为了登台而疯狂的女主人公脑海中。

同样，监狱长莫顿的舞台表演式出场也只是存在于Roxie的想象里，而影片利用歌舞表演的镜头极大地丰富了电影的内容，作为人物的内心独白，使得主要人物的形象变得丰满许多。

监狱里整体的灰色场景和酒吧里色彩饱和度极高的场景形成鲜明对比。

现实的残酷加重了主人公错乱程度，而歌舞便是人物最真实的内心独白。

监狱长联合囚犯，办任何事情都要高价收费的情况，暗示了芝加哥是个充斥着金钱和交易的城市。

接着就是女囚群舞一段上演了。

说到这一段，不得不提到影片优秀的音响效果。

整部电影用的大部分配乐是爵士音乐和探戈音乐，而在女囚歌舞这一段中，音乐与画面的配合非常到位。

水龙头的画面出现后接着想起滴水声，其后从女犯们口中发出的声音开始，每个声音都对应着视觉对象。

画面随着声音的加快，切换速度也不断加快，形成节奏。

接着女囚一个个出场，至此监狱已经完全变成了舞台。

女囚们在光线中舞蹈着，美感中充满怨恨和杀气。

每个女囚跳舞结束时都有几句歌曲和一段探戈舞结束，形成重叠以加强效果。

每段舞蹈的高潮时，灯光都会转为红色，作为死亡和鲜血的象征。

而舞蹈中她们每人手上都拿着的红丝巾也同样作为鲜明的意象，有着强烈的震撼力。

片中男主角Billy的出场仍然选用歌舞剧形式。

不同于监狱长莫顿的出场，Billy的出场没有真实场景进行切换，完全由在舞台上的表演构成。

人物在舞台上的活动也完全使用纯粹的舞台调度方法。

而对灯光的拍摄则是对情况假定性的一种强调。

在之后Roxie和Billy答记者提问的那一段，戏剧光效镜头和自然光效镜头进行切换，自然光效下看似正常的场景掩盖了真相，是虚假表像，而舞台上看似夸张的表演恰恰是对真相的揭露。

提线木偶的造型和两人一致的口型暗示着Roxie被Billy操纵的内幕，后半段女记者的加入则暗示传媒已经被收买，将进行不符实际的炒作。

将答记者会作为一场表演，也揭示出了人性的虚伪。

采访一结束立刻被报道，而关于报道内容的一段，全部是消色的。

这段情节是将报道的内容形象化，是经过舆论化的事实，不再是真相，为了与真相区分，所以采用了消色的手段。

Roxie成名后内心独白也有一段歌舞，这是一段单人表演，背景很简单，大多数为黑色，人工光照射在演员身上，很好地突出了主题。

采用舞台调度时，先是由远近推近至中景，由表现舞台环境逐渐集中表现人物的神情和动作。

为了不使画面太过单调，加入了镜子作为构图元素，使观众可以从多角度观看表演，也表现主人公的不稳定情绪。

在狱中Killiy为了说服Roxie和自己组成组合费劲口舌，Roxie脑海中Killiy的表演又被舞台化。

为了表现强有力的动感，使用的一直是运动镜头。

之后Roxie的丈夫小丑造型的表演揭示了他在整个事件中扮演的角色——在芝加哥，真心和善良被当做愚蠢，虚伪和邪恶却大行其道。

绞杀女囚的凄惨场景被处理成一场精美绝伦的演出，女人身穿白色的芭蕾舞裙，全身被灯光照亮，产生了一圈白得发亮的光晕。

而观众席上的人群都被染成了血红色。

女囚和观众产生了明显的区分，仿佛象征着女囚已经离开了尘世。

残忍冷漠的人们把绞杀看成是精彩的表演，毫无怜悯可言。

绝望的惨白色和惨烈的血红色出现在同一画面里，不仅具有极强的视觉冲击力，更强烈地震撼着人的心灵。

最后绞架上垂下的绳子作为摇晃的前景要摆在热烈欢呼的观众面前，其实也暗示了现实里人们对于一个生命消失的无情。

在两位女主人公均获得自由并最终决定合作后，她们有了一次真正的演出，这次两人身上的光都特别明亮，色偏的现象比较少，表明着通过媒体炒作的力量，她们获得了重生，获得了光明。

这部影片将人内心深处的恶揭露出来，影片中，情感是最无用的，性爱为的是名利，友情背后充满阴谋，人和人之间互相利用的关系显得那样天经地义。

在二三十年代的芝加哥，媒体炒作的水平已很是高超。

在这样的背景下，生活就像是一场舞台剧，华丽地上演着荒谬的情节。

上个世纪二十年代的芝加哥似乎就是一个混乱的世界，犯罪率居高不下，公众会被媒体牵着鼻子走，反正一句话“乱七八糟”。

片中媒体的炒作能力几乎如同星爷的嘴巴可以将死人说活，让无名小卒一夜走红。

那个年代的媒体队伍似乎也不亚于如今的那群狗仔队。

与《红磨坊》相比，《芝加哥》似乎更胜在出奇致胜这个理上，创意造就了这部影片在奥斯卡大有斩获。

尽管罗泊特•马歇尔上次在《美国丽人》上的合作成就了山姆•门德斯，这次荣誉也一样落到了他的头上。

初次独当一面的导演罗泊特•马歇尔也像山姆•门德斯一样一战成名。

去年的《红磨坊》虽大红但在奖项上却没有太大的收获，而《芝加哥》似乎是名利双收。

从全片观之，《红磨坊》似乎走得更是一条歌舞片的老路，用现有的条件使得影片更加华丽多彩，吸引眼球。

而《芝加哥》则另辟蹊径，将歌舞片带出一种新的视觉场景，这一切导演导演罗泊特•马歇尔功不可没，更得益于他丰富的舞台经验。

影片从头至尾采用双线交错并进的方式，舞台表演和现实生活交替衔接，相当巧妙。

特别是影片开头几段基本上就是舞台为虚，现实为实。

比如李察在台上狂唱不要钱只要爱，而在交替的现实镜头中则没钱就免开尊口。

有人说蕾妮齐维格演得罗克茜是个没头脑的傻姑娘，其实我倒不觉得，罗克茜只不过是个被出名冲混头脑的追星族，让她一遇出名就会找不着北，其实在设法吸引媒体的注意力时她还是很会动脑子的。

应该说蕾妮齐维格出演罗克茜还是很出色，把握得相当不错，特别在最出彩的那段舞台木偶戏中演得绘声绘色，超像木偶。

作为歌舞片，实际上在歌舞表演上三位主演都多少有些差强人意，并无特别精彩的桥段。

只不过作为木偶戏这一段整体非常经典，非常有创意。

说句实话，李察基尔作为曾经的一线明星，现如今也是有些过气了，离开媒体的眼睛也相当久了，借着本片能得以咸鱼翻生也属相当不易。

由于以歌舞片大红的约翰特拉华特的拒绝，使得李察基尔得以把握住了机会，演得颇为卖力。

不过同年的另一部影片《不忠》中李察基尔也演得可圈可点，能够翻生也是自身努力的结果。

大美人泽塔琼斯在本片中戏份实在不多，跳起艳舞来显得人很是壮实，不过姿色确实是她相当大的本钱。

另一戏份较重的就是配角就属那位MAMA了，她出场的那一段颇有特色，晃动着她巨乳，扭动着肥硕的身体，抛着媚眼，一嘴的索贿的嘴脸，很是搞笑，很是精彩。

另外值得一提的是刘玉玲在本片中客串了一下，时间上实在太短，没什么可以体现出来。

基本上来说，这部歌舞片很好看。

好看就可以作为我对这部影片的评价，加上不错的情节，导演出色的编排和创意，加上能够挖掘出一些针砭时世的深度，总体而言是部好片子。

比之《红磨坊》相对老套的设计和情节，《芝加哥》在歌舞片的创新上迈出了一大步。

但作为一部歌舞片硬伤也是相当明显和让人沮丧的，没有了像金凯利和阿斯泰尔这样的专业舞蹈演员，主演都是些非专业明星加班加点的成果，所以对于一部歌舞片还是相当不完美的。

这部独特的歌舞剧早在03年的时候我就欣赏过了，前不久又拿出来看了遍。

爵士风味十足的原声音乐、紧凑流畅的剪辑、华丽的道具和舞台效果、演员出色的表演，都是影片的亮点。

一向对Jazz不感兴趣的我第一次发现它的魅力。

开场的《All That Jazz》成为被效仿最多的桥段，今年奥斯卡上还见了碧昂丝和休·杰克曼版的，而罗克茜躺在钢琴上姿态撩人的大唱《Funny Honey》也被侯佩岑用在金马颁奖礼上，最酷的就是那段监狱探戈《Cell Block Tango》！

当一众女囚高唱：“He had it coming! He had it coming!”时，我一边心中OS：“男人都不是好东西！

”，一边对这几个女人竖大拇指，够狠！

我记得05年北京舞蹈学院的毕业演出中就有几个女生表演过这段，也很酷在我的印象中，爵士乐=上世纪二十年代浮华享乐的市井万象。

一战后的二十年代，因美国经济的一片欣欣向荣被美国史学家称为“新时代”，乐观主义情绪弥漫在整个社会中。

繁荣的经济带来声色犬马、纸醉金迷的物质生活，同时也带来了信仰危机和道德缺失。

金钱成了衡量一个人成功与否的标准，名利成了一个人身份和地位的象征。

繁华掩盖下的是人们的精神空虚、道德堕落和两性关系混乱。

当时黑帮横行的芝加哥是汇集了美国社会一切罪恶的渊薮。

对生命的极端漠视、对名利的极度贪婪、追蝇逐臭唯恐天下不乱的新闻媒体、空虚无聊八卦好事的人群，善恶颠倒，黑白不分，世态炎凉。

《芝加哥》就是将人性中最卑劣的心魔放大数倍，给我们展示出这样混乱的社会。

在弥漫着靡费虚度，违反常理的放纵气氛中，欲望操控支配着人类。

印象最深的就是罗克茜首次召开记者会的歌舞表演部分，所有人都是被操纵的提线木偶，被比利这个芝加哥黑暗的代表人物游刃有余的玩弄于鼓掌之间，而在那时的芝加哥，事实也的确如此。

或者说，对于二十一世纪的现在来说，事实也是如此。

笑贫不笑娼的无耻观点大行其道、爱慕虚荣只求出名、搏出位吸引眼球、为抢收视率和发行量无所不用其极的媒体小报、八卦市侩的狗仔文化……人类永远都在愚蠢的重复着过去……我们就是在这样的环境中生存。

每当看到电影海报上的那句话：“如果不能出人头地，那就声名狼藉吧！

”我就一阵恶寒==当道德渐行渐远的时候，会不会有人警告我们。

影片给出否定的答案。

罗克茜削尖了脑袋一心出名的梦想终于在牢狱中实现了，可悲的是她自己还非常享受这声名狼藉。

为了保住媒体曝光率，甚至想出假扮怀孕的老套伎俩。

她也曾经“ 拿乔”在比尔面前端架子，奚落维尔玛，但最后还是被比尔牵回去了。

愚蠢的罗克茜并不明白这种成名就像当时的美国股市那样“虚假繁荣”。

在新的“猎物”出现后，比尔和芝加哥媒体迅速的将她抛在了脑后，昙花一现的罗克茜上一秒还是全芝加哥的宠儿，下一刻就被遗忘了。

至于她的丈夫阿莫斯·哈特应该算全剧里最正常的人了，某种程度上代表着当时缺失的人类道德。

然而这个“道德”是多么的懦弱无能啊！

罗克茜给他“戴绿帽”他还得替她自首；罗克茜让他给自己准备律师费他就乖乖的东拼西凑到处借钱；得知老婆怀孕的消息（假的）兴奋的去找罗克茜却碰了一鼻子灰；痴心的等待无罪释放的老婆回家的他得到的只是罗克茜不甘心追逐媒体的背影。

最后，极度失望的他离开了。

这仿佛也预示着道德的离去。

夸张是放大了现实焦点。

五光十色的胶片带给我们的警示令人感到害怕。

这部出色的讽刺剧确实值得品评。

以上。

芝加哥算是第一部认真看完的音乐剧，不谈三观问题，只是讲讲我片面的观影感受。

之前看过电影里的片段，私心偏爱Velma。

电影看完后对Velma的评价会更加中肯一点，但相较于Roxie还是更喜欢Velma。

清纯中带点小性感怎么说呢？

我不单单只是讨厌Roxie的狡猾多端，其实最让我无法忍受的是她对待Amos的态度。

Amos算是全片三观最正常的一个人，他虽然是Roxie的舔狗，无论发生什么总是无条件相信Roxie（我看到她那张脸也不会怀疑她），但Amos是个懂得把握尺度的舔狗。

在知道Roxie与家具男有染时，他拒绝帮Roxie顶罪；在知道孩子不是自己的时，他毅然决然选择离婚。

反观Roxie，她因为Amos没有帮自己顶罪而恼羞成怒；当所有人抛弃她后，只有Amos在意她，而她却并不在意。

许多这样忘恩负义的时刻就注定了我不会太喜欢Roxie。

Roxie是真切的有一个明星梦，她的出身，她的经历，她的情史都过于普通。

在她作为一个家庭主妇时她没能出名，锒铛入狱后竟然因为恶名成为了“大明星”，但她也只是短暂的被芝加哥爱了一下，就像Billy所说：

That’s Chicago.但并不能说我一点也不喜欢这个角色。

我对Roxie的爱存在于她在舞台上故作性感时略显滑稽的模样，她清纯外表下那颗火热的心真的让我爱到不行！

舞台上的Roxie如果说按照故事性来看，Roxie是女主角；那我认为从综合上看，Velma才是当之无愧的女主角。

舞台上的VelmaVelma与Roxie最直观的不同点在于她对性感的把控更加熟练。

舞台上她永远是风情多种的，即使在杀人后接受记者采访时，她也是一种慵懒的美；而当她渐渐过气，无人问津时，她的光芒也依旧没能被掩盖，出证法庭时还是有把我惊艳到。

即使没有多余的妆容修饰，也依旧美得不可方物Velma的性格也很吸引我。

她懂得变通，初见她时，她因为发现妹妹和丈夫有染，不顾情面的“解决”了他们。

敢爱敢恨，十分果断。

并且在亲手杀了两个亲人后，可以不慌不忙地赶往夜总会进行最后一场演出，在表演时看到警察她也依旧从容，没有出现差错。

即使身为狱中囚，她也依旧保留着独属她的那份傲气和高贵。

而在意识到自己情况不如先前时，她也可以放低身价主动找Roxie希望合作。

I Can't Do It Alone.剧中的每一个舞蹈选段都堪称经典。

我最喜欢的Top3分别是《Cell Block Tango》《We Both Reached For The Gun》以及《Nowadays》。

◾️Cell Block Tango：五位谋杀亲夫的快乐寡妇为您带来一段精彩的女子监狱探戈。

我更改了这个选段原先的介绍，片中的介绍是“六位”，但事实上有一位匈牙利姐姐是被诬陷的杀人凶手，她也是全片最悲惨的一个人物。

唯一无罪的一个人竟然是库克郡立女子监狱第一个被处死刑的人，而真正犯罪的人却摇身一变成为了舞台上的明星，既讽刺又无奈。

我真的太喜欢那句“I didn't do it, But if I'd done it,How could you tell me that I was wrong?”真带感，感觉自己三观开始扭曲惹。

◽️We Both Reached For The Gun：一段十分经典的极具黑色幽默的木偶戏！

这一段正面体现出Billy的辩护能力之强，难怪经他手下没有一个死刑犯被判处死刑。

这段也很形象地表现出了Billy的辩护特点，在他的辩护过程中，整个法庭仿佛变成了一个木偶剧场，而他则是操控这一切的上帝。

Roxie身为被告，也只是剧场中的一个普通木偶，她甚至不用说话，全凭Billy为她制定的专属台词就能一炮成名。

Roxie和Velma之所以是主角就在于她们都不会轻易服从于Billy的操控，她们有自己的意识，会反抗Billy的一些对自己无益的决定。

♠️Nowdays：两名重获自由的监狱之花带来的一场末日狂欢！

平分秋色这段是Roxie和Velma两大女主在电影最后共同在芝加哥大剧院的表演。

也是全片最荒诞无经的一个部分。

为什么呢？

“唯一无罪的女人被处以死刑，而真正的杀人犯却在掌声和灯光下再次持枪。

”电影最后两名女主谢幕时不计前嫌挽手迎接观众们的欢呼喝彩，以及Roxie的那句“Thank you！

believe us，we could not have done it without you！

”真是全片最大的讽刺。

一言以蔽之，看这部电影千万要放下你的三观。

最后，我只想说：I love The Musicals forever!!!

在2002年第75届电影界最高荣耀的颁奖典礼奥斯卡金像奖的最后关头——最佳影片的揭晓时间，最终《芝加哥》打败了《钢琴家》等奥斯卡学院派偏爱的文艺片，获得了年度最佳电影！

可以说，一部商业极致的歌舞电影，能得到如此高的荣誉，不仅仅是导演出色的拍摄与剪辑，也与《芝加哥》长盛不衰的音乐有着重要的关联。

既然是歌舞片，要唱也要跳。

电影的音乐与镜头的编排，是在舞台剧中所看不到的。

开场一连串目不暇接混乱的镜头，快板的爵士，欢快的夜总会在等待最佳舞蹈组合凯莉姐妹登场：大家很快便进入氛围。

于是伴随着欢乐的萨克斯风，观众们还没看懂故事是否开始，是怎么回事，Velma便已经枪杀了自己的妹妹和丈夫。

然后欢快的节奏突然减缓进入歌唱配乐，独自一人来到夜总会的Velma上台了。

《芝加哥》最经典的杰作——《All That Jazz》响起。

也许泽塔琼斯扮演的Velma在片头一连串不露脸的混乱快镜头切换，结果终于露出庐山真面目后，那艳俗的妆容让你觉得失望，听完一曲《All That Jazz》后，你就会觉得，导演相中她演这个角色，是完全正确的。

她冰冷的气质，泼辣的说话腔调，高难度的舞蹈，还有一丝不苟的唱功， 实在很难再找到一个比她更完美的女演员。

唱得好的不一定能演，演得好的不一定能唱，更何况还有舞蹈的高要求。

而《All That Jazz》被重新编曲后，显得毫不啰嗦了，舞蹈也更性感更迷人更简练。

二十世纪二十年代末的美国正在被经济危机困扰着，而人们却丝毫不受影响，照样奢糜的都市夜生活，空气里弥漫着香烟与酒精的味道，片头就把纸醉金迷的夜城市氛围毫无保留地展现了出来。

接着便是Velma被捕入狱后，Roxie如何枪杀情夫的情节。

之中包含了Roxie在憨厚的老公Amos做替罪羊对警方招供时演唱的《Funny Honey》，从缓慢抒情的节奏入门，然后Amos说漏嘴，唱腔变从温柔变为愤怒，最后Roxie怒吼收场。

被关上囚车后，背景音乐是一段颇具喜剧感的萨克斯快爵士，让大家丝毫不为这个被情夫辜负的女人入狱感到愤怒或者惋惜，反倒觉得这是很快乐的情节。

监狱里，欢快的爵士依旧没有停顿。

监狱长登场，风骚的一曲《When You Good To Mama》，将黑人擅长的爵士唱得风趣无限。

的确，爵士就是黑人的大粗嗓子唱出来的，白人清亮的声音和萨克斯、没有节拍的钢琴十分不合。

随着Roxie进入牢房，《芝加哥》最经典的一幕开始了。

六个美丽的女杀夫犯叙说自己入狱缘由之歌——《Cell Block Tango》。

依旧遵循了电影的概念，虚拟了一个舞台与现实同时进行。

欢快而愤怒的节奏，剧本作者想让观众们觉得，她们杀夫都是可以原谅的，所有的男人都“had their coming”，自作自受。

但是其中的匈牙利女人是唯一无辜的，因为不会说英语，花不起钱雇辩护律师，所以她也是唯一一个被处死的。

这部电影第一个较大的讽刺，唯一清白的人被绞死了，引用记者的话就是，“她创下了历史，47年来芝加哥处死的第一个女人”。

于是在后半段中，描写Hanya被绞死时，颇为巧妙的手法虚拟了舞台上Hanya表演着匈牙利著名的“大变活人”消失表演，现实的她泣不成声地走上绞刑台；现实中绞刑台下站着的人们一张张惋惜的脸，似乎在感到难过，但是舞台下的芝加哥观众看着韩雅“消失”后全体起立鼓掌，持续的欢呼声呐喊声，这一对比让人强烈感受到芝加哥人们的贪婪心理，看多了女人坐牢还不够，要看绞死女人。

处死韩雅时时候全是让人紧张的密集的鼓点，总希望能有个英雄可以出来拯救这无辜的女子。

可惜紧张的鼓点没让大家失望，现实依旧是现实，如果无辜的人被救下了，这部电影就失去价值了。

另一大讽刺便是男主角——神秘的律师Billy上场时的音乐。

他如痴如醉的在一群性感的女囚中唱着“我不要钱，我只要你们温柔的爱”。

但是现实中却只认钱不认人。

楚楚可怜的韩雅用匈牙利语混合着几句不标准的英语向他求救。

可是现实和舞台还在一直切换，他依旧唱着“我只要爱”。

再谈谈影片十分出色的两个歌舞部分，一是律师Billy和女主角Roxie在记者答辩会上演的木偶双簧戏《We Both Reach For The Gun》，二是Roxie成名后自我陶醉的一段个人秀《Roxie》。

双簧戏是《芝加哥》原本就存在的一场戏，不过在导演的巧妙改动后，简直巧妙地让人拍手叫绝。

歌曲的节奏改得欢快了，两段突然切入成华尔兹的“understandable”显得更有喜剧感，以及记者们木偶一般僵硬的妆容。

巧妙的讽刺，也是对于现在的记者们本性的写照。

双簧戏结束了，Roxie成名了，《Roxie》来了。

电影最精彩的一幕集中体现在这首歌上，完全把歌舞电影相对于舞台剧的优势体现了。

多面镜子的旋转，深黑的大背景衬托主角的闪闪发光的戏服，最后还弄出一个巨大的“Roxie”霓虹灯缓缓上升，巨星感十足。

再说这首歌本身，前奏是一段颇具挑逗性的低音爵士钢琴，主角讲成名经历缓缓道来的一段独白。

随之突然引入歌唱，展现懒散的歌喉和风骚的舞姿。

经典歌词——“谁说谋杀不是一门艺术…她以丑闻走红”。

当今社会还有多少徘徊在二线三线的艺人们为了成名，不惜出卖自身隐私，或者闹出监狱抑或醉酒的丑闻。

说到Roxie，不得不说女主角的出色表演。

瑞妮•齐薇格在那时候，还只是一个小有名气的演员，不算二流明星但在一线众星里她是最平凡的。

我想不通当初是谁借她信心接下Roxie这个角色。

要知道，这可是人称“Diva”的歌剧女主角之位。

而她，既毫无唱功可言，也没有舞蹈功底，身材也不够火辣，更何况年前为了拍《BJ单身日记》还故意增肥了10磅。

不过，她没让我们失望，恢复成了苗条的细腰，也苦练了三个月舞蹈。

唯一的问题可能是唱歌方面。

不过，导演宁愿用一个不懂唱歌的专业的演员，也不会用一个不会演戏的歌手去挑起主角的担子。

更何况，瑞妮的傻傻的气质和不出挑的长相 、身材是Roxie的不二人选。

比她完美的Diva不是没有，不过你总不会想象《歌剧魅影》的女主角艾米•罗森来演Roxie吧。

《Roxie》这首歌所需要的演唱技巧不会很高，没有太多的无旋律的爵士音符，也没有太多需要拖颤音的长音，所以，勉强还是能算一首成功的作品。

一个没接收过歌唱气息训练的人，也无法要求她唱得更好了。

音乐的编排都很切合三十年代的音乐氛围，那时候好莱坞刚从无声电影发展为歌舞电影，歌舞片红极一时，美国都沉溺在Billie Holiday的靡靡爵士中。

不过由于经济危机，“爵士时代”也在三十年代后戛然而止。

一直到二战结束，人们的享乐之心才渐渐找回。

《芝加哥》中的歌曲是那个时代人们奢侈享乐淋漓尽致的体现。

不论是懒洋洋的“Funny Honey”，还是剧终时两位女主人公回到舞台上热烈的地跳“Hot Honey Rag”，穿插在电影里的每一段衬托杀人犯罪的欢快的爵士，法庭上Billy调戏糊弄法官和证人们的一曲“Razzie Dazzie”，都与享乐主义盛行、挥霍无度的社会环境相呼应。

不过商业电影依旧是商业电影，剧终必须是美好的。

即使杀了人没有得到应有的惩罚，两个妞还是“改邪归正”回到了风光无限的舞台上。

如果编剧想让它变得更有戏剧感，结局应该改成：两个女人为了再次成为报纸的头条成为芝加哥的名人，再一次杀掉男人重返监狱。

很喜欢这部歌舞片诚实地展现女性的欲望，从歌舞到灯光到表演都好有表现力！

开头的情杀与女子监狱宛如《肖申克的救赎》的翻版，主流价值也是，但这部剧没有以完美人设去塑造女主，关于名望的症结到最后也没解开，有限的生长事关梦想，让我很同情很喜欢也很关注女主的命运。

这部剧是现代社会的镜子，舞台本来就是消费时代的隐喻，每个人十秒可以成名，尤其是呼应大众欲望和审美的。

这部剧可以从反讽的角度去理解，从一开始，拯救roxie的就是男性，丈夫从经济上的支援，律师从舆论上的智谋，就连最后女性写作也是被杜撰和虚构的，社会的主流权力和话语都为男性所操纵，所以表现主义是一种另外的社会写实。

什么环境诞生什么样的逻辑，也只有用男权的方式才能呼应男权造星的消费，之所以能上诉成功也跟从头至尾营造大众传媒喜爱的女性形象有关。

特别喜欢女死囚夜晚对前男友的吐槽，还有女主日记的吐槽，女二对舞蹈的狂热……都特别有生命力。

无论是展现女性虚荣，女性贪婪，都是在将女性作为真实人物彰显，而对大众对她的捏造形象始终持有讽刺态度，这件事还蛮酷的！

而明星的身份，如果单以黑红也是红这一态度去营造，恰热钱恰烂钱，最后总有被长江后浪推前浪一朝卷在沙滩上的危险。

双女主之所以能走出来，也是因为她们之前的人设身份，她们以有限的姿态争取着独立和自由。

庭审结束后，自由最终成为最重要但是女主最不在意的东西，公平正义也是社会最重要最不重要的东西，美也是最重要但最不重要的东西，所有的都被热度捆绑着。

这件事本来就非常的有隐喻意味。

最美的还是死囚执刑的一幕，我感觉它代表着作者的一个基本价值，对于死亡的重视，还有对人性的反思，对生命的惋惜，对女性发自内心的赞美。

很喜欢这部剧各种方面的表达，世间万象，全诉以眼花缭乱的歌舞之间。

丈夫黑化程度有限，就算根基仍是爱，女主不选择回归家庭也很重要，就算事业失利也不回家，她有自己的追求在。

最终一个新的案子发生，一名陌生女性杀了丈夫和律师，虽然是虚晃一枪，但也以特别的方式宣泄了观众的情感，其实这些爱和帮助都是牢笼。

那种极其真实的讨好，互相陷害，互相帮助的女性关系，仍然是男权社会的表象下一直被忽视，但仍然在不断延续，具有特别生命力的事物。

影片向我们展示了处于上世纪大企业黄金年代的美国芝加哥，在那样一个表面经济繁荣的社会形态下，人民心态受经济影响而产生的畸变是多么的可怕与荒诞。

导演通过影像的手法淋漓尽致地把歌舞升平的芝加哥中暗涌的名利暗流以及在这种涌动中人性和社会价值观念的异化呈现在观众的面前。

《Chicago》作为一部典型的歌舞片，以一定的剧情为主线，以音乐的叙事方法，通过绚烂的歌舞形式来烘托出主题。

在歌舞片中，常常会通过配对的人物来实现“拯救”的主题，通过一系列对抗性的情节，最终实现双方的相互拯救（引自《电影阅读方法与实例》）。

女主人公Roxie在影片开始时企图通过出卖自己的肉体来得到一个成名的机会，为了一个纯真的梦想而割舍了现实自己的纯真是多么的可笑与荒谬！

人民的心态在那样一个浮华糜烂的社会风气之下变成如此颠覆传统的意识。

好在，故事的最后Roxie和女二号Velma在经过了一系列的波折之后，最终通过自身的努力和合作赢得了掌声，而并非像最初的通过利用他人、捏造事实、依仗社会舆论等来得到注意。

当然我们也不难看出，这种特属于芝加哥的娱乐方式是被社会常态化的畸形的娱乐。

人们只有通过鲜血、暴力、或是层出不穷的罪恶才能达到兴奋，才能满足对于新鲜事物的欲望。

这是一种多么荒诞又让人无法理解的人性悲剧。

就像片中那个匈牙利女囚的死亡一样是否是在告诉人们，代表高雅的芭蕾已经像她一样死亡和没落了呢？

我们究其根源，虽然社会的经济形态起着决定作用，但社会舆论也需要在其中负很大的责任。

大众爱八卦，媒体爱话题，人要出名就要靠广播报纸的大肆报道，在这种恶性循环之外更是催生了一大批像Roxie这样的普通民众以及Billy这样需要靠传媒靠话题为生的律师。

甚至到影片的最后媒体的操作已经影响到了司法公正，社会舆论的力量已经改变了人们生活的方方面面，在如此这般黑暗与丑陋的芝加哥，人们怎样维持住自身的纯真呢？

影片中充斥着大量宣扬女权主义的话语，但又很戏剧性地让Billy这样一个男性人物去拯救那些杀害男人的女人们。

即便影片最后她们两个是靠自己的努力与合作赢得满堂彩，Roxie和Velma的成功也是不可否认地建立在Billy对她们最初的拯救之上。

所以纵观整部影片，男女的地位始终处在一种相对公平的状态下，世界是男女搭配下才能平衡的。

而社会经济体制下、社会舆论的控制下人们价值观念的改变着实是非常可怕的。

除了《Chicago》的主题层面之外，作为视觉元素的摄影手法也是相当值得一提的。

影片一开场就是主人公一双眼睛的特写镜头，并紧接着推镜头通过放大使之得到强化，形成巨大的视觉冲击力，牢牢地抓住了观众的注意力。

马上镜头带领观众来到了一个人声鼎沸的酒吧中，通过快速高频率的镜头切换让观众大致地扫视了整个酒吧的环境与其中的人物。

而这种快速无序的画面剪切与拼贴在整部影片中不断使用，通过大量的跳接给观众带来视觉接受上的断裂，造成观众审美接受上的间断性和跳跃性，从而加快了影片的节奏以及紧张感。

就整部影片中摄影机的状态来说，运动摄影毫无疑问的占了主导地位，尤其是像《Chicago》这类的歌舞片，多角度多机位多功能才能将歌舞的情绪色彩以及其视觉快感表现出来。

其中女二号Velma出场时的跟镜头不仅交代了环境而且同时让观众与剧中人物产生同样的紧张感，跟随着其脚步参与到故事的发展中去。

又如，阿莫斯出场时点缀用的移镜头，从记者拍家具商的尸体开始镜头不断移动，扫描了整个房间中的状况后镜头移到了阿莫斯，模拟了警长怀疑其口供的视点。

还有在牢房探戈开始之前的一个典型俯拍镜头，画面突然只剩下Roxie以及一张圆桌和一把椅子，一种压迫感和宿命感随即产生，追光灯的使用更是加强了上帝视点的效果，预示着紧接着就将发生什么。

因而，相比较固定摄影，移动摄影更能够增加影片的节奏感，使观众的感受更贴近真实状态。

另一方面，就影片的构图来说，《Chicago》属于动态构图以及开放式的构图。

由于歌舞片的基本要求在里面，构图的封闭会使画面缺少动感而失去影片所要营造的节奏，而且画框中的世界并不是孤立存在的，它时刻要与外界发生着关系。

例如警长在审问阿莫斯以及Roxie产生心理活动的时候，画面中舞台上同时出现了他们两个人，而且明显Roxie所占屏幕的比例比阿莫斯多，这种构图加大了两人的疏离感，形象地表达出两人关系的恶化，同时将观众的注意力有效地引向了画面内容中去。

另外Roxie在监狱厕所中偷听妈妈与Velma谈话的那段，导演通过狭小的一条缝模拟了Roxie的视域，将画面两边遮挡，形成偷窥的胆怯感，让观众同样产生身临其境的感觉，增加观众对主人公的认同感。

电影的构图不同于绘画摄影等静态的视觉艺术，它不仅是动态的视觉艺术也是表现电影完整意义的重要因素。

因而研究电影的构图要从各个方面进行探索。

《Chicago》中的色彩绝对是分析影片时不能忽略的，其重要性是毋庸置疑的。

整部影片都给人以高反差的视觉效果，首先是现实世界中偏冷的效果与心理活动中暖色效果的对比，其次还有舞台表演时不同人物的冷暖色效果对比都强烈地表现出一种讽刺的意味。

在心理感受上，红色作为暖色传达出紧张感与积极感，例如Billy的出场舞蹈、牢房探戈、木偶舞等几乎所有的舞台表演都是运用的红色舞台灯光，营造出一种快节奏突出、向外扩张的态势。

而在影片前段中Roxie与阿莫斯同时出现在舞台上的那段，Roxie微微泛橙色的红和阿莫斯的冷调深蓝色形成强烈的反差，一方面表现出阿莫斯郁结孤独感，另一方面也说明他们两人关系的进一步恶化。

而整体舞台色彩比现实中的鲜艳，更是讽刺地说明芝加哥是个声色犬马的世界，营造出荒诞嬉笑的电影氛围和一种强烈的讽刺效果。

最后，影片中的用光更是值得称道。

光是电影拍摄中最为重要的因素之一，光运用的好，对于整部影片的艺术价值提升具有非常重要的作用。

《Chicago》舞台上的追光灯等直射光的运用对于表现人物的轮廓与立体感起到重要作用，也增强了影片的戏剧性。

影片中阿莫斯的歌舞和Roxie唱《funny honey》的那段，逆光的运用使人物的轮廓表现最佳，获得剪影的效果明显。

其中唯独阿莫斯的歌舞用光使用的是单纯的暖色光，不像其他主角的歌舞表演用的是红色舞台光，这也从另一方面表现出整部影片中只有阿莫斯是诚实善良的，但这种品格在那个年代简直就是他的痛苦与不幸，这又是何其的讽刺和悲哀啊。

在光线的影调层次上，舞台光都是采用的高调光，用以表现其活跃与热闹也加强了空间的虚幻感。

同样是舞台上，在Roxie最后试镜的地方就相比较更为低调，表现出一种暗淡与凝重。

而在光线的造型效果方面，本片集自然光效与戏剧光效于一身，但着重还是偏向于戏剧光效，这与影片的题材是密不可分的。

在现实的世界中，自然光效能够充分的体现其逼真性与纪实性。

而戏剧光效的大量运用更加突出了与现实之间的差异性和人为装饰性，使物质世界与精神世界形成强烈的反差，从而表达影片的主旨。

本片不仅在以上方面有着突出特点，其影片的视点也是涉及到好几种。

像刚开始时Roxie的主观视点，到后来的预告性视点等让观众在观赏影片之时带有紧张感，更容易投身于角色中去，加强了影片的可看性。

综上所述，本片是一部集所有商业片要素于一身的商业片，同时又是一部具有现实批判性和艺术性的文艺片。

影片不断利用歌舞片段来切换现实世界和人物心理活动，运用人物的重复出现和人物动作的一致性来表现剧情，突出了事件发生的重叠性和重复的主题。

在穿插着歌舞、爵士与故事情节的展现中，将芝加哥社会金钱至上的丑陋面纷呈于前。